Metal Rock Press

ROY KHAN, EL PODER DE LA HISTÓRICA VOZ DE KAMELOT

Por Sergio Silva Fotografías por Ishtar Shots

Roy Khan se presentó el pasado 16 de octubre en el marco del «Black Halo and Beyond Tour 2026», en un Teatrito colmado de gente. En esta ocasión, vino acompañado de la vocalista Zoe Marie Federøff, brindando un show memorable y teatral, con los clásicos en los que tuvo participación en la histórica banda Kamelot. La noche la completaron la visita internacional de la agrupación de metal sinfónico Maestrick, desde Brasil, y, del ámbito local, Virthual.

Virthual

Una vez adentro de El Teatrito, la verdad, me llevé una tremenda sorpresa: la mitad del recinto ya estaba colmada y Virthual estaba haciendo su presentación, como hace unos meses atrás, cuando telonearon a Sanctuary. Esta performance fue casi idéntica, con la misma fuerza y despliegue del vocalista sobre todo el escenario, al estilo Bruce Dickinson. Virthual logró que el público se enganchara con las canciones del setlist.

Maestrick

En segundo lugar, llegó la primera visita internacional. Estamos hablando de Maestrick, una banda originaria de Brasil que nos trajo todo su poderío de metal sinfónico y progresivo, con Fabio Caldeira al frente en la voz, quien también es multiinstrumentista. Realizaron un setlist atrapante, no solo porque en algunas composiciones introdujeron sonidos regionales de Brasil, lo que sorprendió al público. Se ganaron el respeto de todo El Teatrito.

Roy khan

Pasadas las 21 h, El Teatrito estaba completo en su totalidad; era imposible desplazarse con normalidad y la espera concluyó al fin. Como siempre, las luces se atenuaron y los primeros acordes de «When the Lights Are Down» explotaron en el recinto. De entre las sombras emergió la figura imponente de Roy Khan para hacer gritar a todo El Teatrito, y no estuvo solo, porque también contó con los coros de la bellísima Zoe Marie Federøff y, además, con Fabio Caldeira. Luego de finalizado este primer tema, la gente enloqueció por completo.

Pero esta visita a la Argentina por primera vez tuvo una premisa: festejar los 20 años del álbum The Black Halo, en el que Khan participó. Continuando con el setlist, arremetieron con «Soul Society». Las pocas veces que el show se interrumpió fue para que Roy interactuara con el público y se mostrara agradecido y feliz de estar en Argentina. Luego, el show en sí fue una descarga de energía continua.

Tanto Zoe Marie como Fabio Caldeira secundaron a la perfección a Roy, dándole un toque de teatralidad a la noche porteña. En total, fueron 13 canciones las que conformaron el tremendo setlist, todas muy festejadas por la gente. Sin embargo, hubo temas destacados que hicieron delirar aún más al público y que fueron cantados de principio a fin. Estamos hablando de «The Haunting» y «Memento Mori», donde parecía que El Teatrito se venía abajo por completo.

Luego de interpretar «Forever» en un recinto totalmente caldeado, los músicos se retiraron para provocar en la gente el clásico pedido de ¡una más! Es así que, para el final, se despidieron con tres gemas: «Ghost Opera», «Epilogue» y la aclamada «March of Mephisto», para la desintegración total de El Teatrito.

Agradecemos a Marcela Scorca press y promo de Icarus Music por la acreditación al show.

Sergio Silva

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Ishtar Shots

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SORPRENDENTE Y EXPLOSIVO SHOW DE TIGERS JAW EN UNICLUB

Por Sergio Silva Fotografías por Camila Burel

Los norteamericanos llegaron a Argentina en el marco del «Lost On You Latin America 2026», con un show emotivo y energético de principio a fin, y esta fiesta del jueves por la noche la completaron los locales de Clamor.

Clamor

La jornada la abrieron los oriundos de Quilmes. Ellos tienen una propuesta variada entre el emo, core y el metal alternativo. Poseen un álbum denominado Para No Olvidarte, en el cual nos sumergen en distintos estados emocionales, desde letras cargadas con angustias personales hasta momentos de ira contra el mundo. Fue una gran apuesta que sean la banda que abriera el show para Tigers Jaw; el público se mostró identificado con su performance.

Tigers Jaw

Y, por último, llegó lo esperado: Tigers Jaw se presentó en sociedad ante un Uniclub en efervescencia. El inicio fue bastante melancólico, con «It’s Ok», donde la guitarra y la voz de Ben Walsh tomaron por completo Uniclub. Ese momento fue como introspectivo y luego desencadenó con «Primary Colours», donde Ben Walsh tomó protagonismo nuevamente con la guitarra, pero fue Brianna Collins quien, con su voz y teclados, se impuso en ese momento. Es más, en mi opinión personal, me hizo recordar al tema «Zombie», de The Cranberries.

Hasta ese momento, todo hacía parecer que el recital iba en camino a atmósferas más melancólicas, pero no fue así. Sorprendentemente, irrumpieron con una catarata de temas orientados al post-punk y metal alternativo, con «The Sun» y «June». Ahí la gente comenzó a tomar protagonismo y un fan se subió al escenario enloquecido. Los músicos tuvieron que frenar un instante para decirle amablemente que se bajara, y ahí continuaron con el show.

Ya en la mitad del mismo, Uniclub era una marea humana embravecida, con gente llevada en andas. Muchas personas se subieron al escenario y se sacaron selfies con los músicos, pero toda esta energía desarrollada por el público es consecuencia de las composiciones, que varían en intensidad y emotividad. Demás está decir que vi mucha gente con remeras de la banda de screamo Orchid.

Ya pasando la mitad del show, hubo un momento introspectivo para renovar energías de la mano de «Never Saw It Coming», donde la guitarra acústica fue protagonista y el final fue explosivamente eléctrico, como para no desentonar con la noche.

Y, para el final del show, arremetieron con «Lost on You» y «I Saw Water», una despedida como tenía que ser: bien enérgica y con todo el ánimo arriba.

Agradecemos a Noiseground por la acreditación al show.

Sergio Silva

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Camila Burel

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TREINTA AÑOS DE UTOPÍAS: LÖRIHEN FESTEJÓ SUS TRES DÉCADAS HACIENDO REALIDAD EL SUEÑO IMPOSIBLE

Por Facundo Llano Fotografías por Holy Smoke

Si buscamos grupos de Heavy Metal en argentina que hayan durado tres décadas ininterrumpidamente (Mas allá de cambios de formación) se contarían con una sola mano. Lörihen pertenece a ese selecto grupo. El grupo comandado por Emiliano Obregón celebró su aniversario con un festejo a la altura de las circunstancias; un show de dos horas y media con un Teatro Flores repleto.

Pasado, presente y futuro

Se abre el telón, la banda arranca con el clásico “Bajo La Cruz” y el público se encuentra con Lucas Gerardo (Voz durante los últimos 20 años) y Javier Barrozo (Cantante de los primeros discos) compartiendo las tareas vocales. Sin anuncios, sin rimbombancias, pero con la contundencia de la sorpresa de entrada. Lo cierto es que ambos cantantes encajan a la perfección, compartirían varios temas juntos y algunas canciones hasta ganarían en matices con ambos registros.
Durante el show irán alternando su tarea, teniendo momentos de exclusividad. Siempre una celebración es especial para traer canciones que no suelen aparecer en los recitales habituales de la banda. Los músicos saben que el público suele pedir temas de sus dos primeros discos y, teniendo el cantante de esos trabajos en esta oportunidad, aprovechan para hacer varios medleys con las canciones de los discos Utopía y Paradigma tratando de complacer a la mayoría, e interpretando de forma íntegra clásicos como “El Último Eclipse”.

Lörihen es una banda que se mueve entre el Power Metal, el Hard Rock y el Heavy Metal clásico, sin embargo, poseen actitudes que los distinguen y hacen que no caigan en las obviedades del género. Por ejemplo, es una banda que ha abrazado la IA de forma natural y en pos del espectáculo. El concepto del show sería el de máquina del tiempo, donde la animación moderna convive con el recuerdo analógico de las fotos y la pulsión a sangre de los músicos tocando. Cada canción tiene su animación, pero no distrae de lo que importa, que es la canción y la interpretación. También juegan con eso, haciendo de cuenta que los invitados que no pudieron estar esta noche, como Julián Barret y Adrián Barilari, los están llamando para saludarlos, para luego incorporarlos en los videos que se proyectan a la hora de interpretar alguna canción. Más allá de algún desperfecto técnico, la banda no se ha asustado ni ha renegado a la hora de incorporar tecnología a los shows.
Otro aspecto que los distingue es la temática que tocan. Si bien el nombre de la banda remite a El Señor de los Anillos, las letras de Lörihen tienen tintes sociales y políticos, con la causa Malvinas inseparable de ellos. Tan así que la banda encargada de abrir la noche es Against, el grupo de Thrash Metal que aborda la historia para hablar de temáticas actuales. Para quienes buscan escapismo, puede encontrarlo, pero el grupo es muy consciente de su realidad y lo hace parte de su obra.

Como esto es una celebración, varios ex integrantes de la banda dicen presente, como los bajistas Nicolás Ciancio y Damián Janczur. También músicos como Kanario de Plan 4 y hasta la hija del guitarrista y líder Emiliano Obregón.
Musicalmente el show es impecable y la banda recorre todas sus épocas. Los momentos con Barrozo resultan los más metaleros mientras los de Gerardo hacen la contraposición con un estilo más melódico y hard rockero. Sumado a algún momento acústico como “Esa Gran Mujer” el espectáculo resulta llevadera y diverso a pesar de su duración. Y al público se lo ve genuinamente conectado y disfrutando con lo que la banda le entrega.
Lörihen cumplió 30 años y no es algo menor. A lo largo de tres décadas de han sabido mantener como uno de los referentes más importantes del género, a la vez que han ido cambiando y mutando, sin perder su esencia. Es una banda que nada hace a medias y eso se re reflejado en el show. A esta altura, es muy difícil salir de un show del grupo decepcionado. Pero es en estas oportunidades que la gente asiste, no solo para celebrar, sino para ver como la banda logra superarse.

Agradecemos a Gaby Sisti y al señor Pablo Noguera por la acreditación al show.

Facundo Llano

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Holy Smoke

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FUEGO EN EL FUEGO: FINALMENTE HIGH ON FIRE DEBUTÓ EN ARGENTINA DANDO TODO LO QUE SE ESPERABA DE ELLOS EN VIVO

Por Facundo Llano Fotografías por Holy Smoke

Hay conciertos que funcionan como una presentación y otros que parecen una especie de ajuste de cuentas con la historia del metal. La primera visita de High on Fire a la Argentina perteneció claramente a la segunda categoría. El sábado 3 de octubre, el escenario de Uniclub recibió por primera vez a la banda encabezada por Matt Pike, en una noche donde el stoner, el sludge, el doom y el metal más primitivo encontraron un punto de encuentro particularmente violento.

La guitarra de Matt Pike, el centro gravitacional de la noche

Teniendo en cuenta lo popular que ha sido el stoner rock en Argentina, es curioso que una de sus figuras más importante nunca haya pisado esta tierra. Lo bueno se hace esperar, dicen, y este pareciera ser el caso. Desde el comienzo, la guitarra de Pike se convirtió en el centro gravitacional del espectáculo. Su sonido no buscó solamente volumen, buscó peso. Ese tipo de peso físico que se siente en el pecho y que transforma una sala relativamente pequeña en un espacio mucho más grande de lo que realmente es. Pero podemos decir que la misma búsqueda se encuentra en los demás músicos, Jeff Matz en bajo, por momentos más alto y más intenso que sus compañeros, y el recientemente incorporado Ben Koller en batería, quien demuestra su destreza en Converge hace más de 25 años. De alguna forma, High on Fire logra llegar a su versión más intensa hoy.
El viaje continuó con “Rumors of War”, uno de los grandes momentos de “Death Is This Communion”. El tema llevó al público hacia una zona todavía más oscura, con ese equilibrio tan particular de High on Fire entre la velocidad del metal clásico y la densidad propia del doom y el sludge. “10,000 Years” hizo aparecer otra de las caras de la banda: el High on Fire más primitivo, más cercano al espíritu de Sleep y a una concepción casi cavernaria del riff. Luego con “Fertile Green”, demostraron que el grupo no necesita disminuir la velocidad para generar tensión. En sus manos, el riff puede avanzar como una locomotora o quedarse suspendido, pesado y amenazante. “Fireface”, nuevamente del primer disco, funcionó como una suerte de recordatorio de los orígenes. No había nostalgia en la interpretación. Había vigencia.

Riffs primitivos y una potencia sin concesiones

Y eso probablemente sea uno de los aspectos más interesantes de High on Fire: sus canciones antiguas no parecen piezas de museo. Conviven naturalmente con el material reciente porque la banda encontró hace tiempo una fórmula que no depende de una moda determinada. El guitarrista y cantante no necesita recurrir a grandes discursos para dominar un escenario. Su presencia funciona de otra manera. Hay algo deliberadamente áspero en su manera de tocar, como si cada canción fuera una extensión física del instrumento.
Que el cierre haya quedado en manos de una composición reciente como lo es “Darker Fleece” resulta significativo. High on Fire no necesitó despedirse recurriendo exclusivamente a un clásico histórico. Su presente tiene suficiente peso como para ocupar el último lugar.

Una deuda histórica saldada a puro metal pesado

Y cuando llegó el final, después de aproximadamente una hora y veinte minutos de música, quedó la sensación de haber asistido a algo más importante que un simple recital. Porque la primera visita de High on Fire a Buenos Aires tenía una deuda pendiente. Durante años, la banda había sido una referencia para músicos y público de una escena que encontró en el stoner y el sludge una forma diferente de entender el metal pesado. Finalmente, esa música pudo ser escuchada en vivo en el lugar donde también había encontrado una audiencia particularmente receptiva. High on Fire tardó demasiado en llegar, pero cuando finalmente lo hizo, llegó exactamente como debía: pesado, furioso, oscuro y ensordecedor.

Agradecemos a Noiseground por la acreditación al show.

Facundo Llano

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Holy Smoke

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A FLOCK OF SEAGULLS: UN VIAJE EN EL TIEMPO

Por Lucas Rivera Fotografías por Parmil Fotografías

La banda de new wave liderada por Mike Score se presentó por primera vez en Argentina el pasado 9 de octubre. Después de décadas de sonar en la radio, protagonizar videoclips inolvidables y convertirse en parte de la identidad musical y visual de los años 80, A Flock of Seagulls finalmente llegó a Buenos Aires para encontrarse cara a cara con su público.

Sarmiento, casi esquina Callao, viernes, 19 h. La lluvia mojaba la ciudad mientras las puertas de El Teatrito se abrían para recibir a los primeros fans de la banda de Liverpool. Algunos ya buscaban su lugar junto a la valla, otros aprovechaban la espera para llevarse una remera de la gira o revolver entre los CD que ofrecían una colección de clásicos ochentosos.

DJ Kike La Oveja poniendo la noche en contexto

DJ Kike La Oveja fue el encargado de abrir la noche y de mantener el clima entre las bandas. Con una selección de clásicos del new wave, post-punk y synth pop, acompañados por una pantalla proyectando videoclips, el set tuvo por momentos ese aire de volver a encender la tele para ver MTV. Depeche Mode, New Order, Duran Duran, The Cure y The Smiths fueron parte del repertorio que invitó a reencontrarse con una época que dejó huella.

Diurno y Distante abriendo el escenario:

Pasadas las 20 hs, Diurno y Distante se hacía presente en el escenario, banda de post-punk y dream pop que recientemente se incorporó a la familia de Icarus Music.

La banda está conformada por Evelyn Gomeñuka en bajo y voz, Agustín Lomez en guitarra y coros, y Federico Iovine en batería. Sus integrantes se conocieron en la Jam Nostalshit de 2024.

El grupo oriundo de Buenos Aires estuvo a cargo de abrir el escenario y construyó una atmósfera melancólica en la sala.

El cierre llegó con su sencillo «Síntoma», seguido de una versión de «Transmission», de Joy Division. Una despedida que dejó preparado al público para lo que estaba por suceder.

A Flock of Seagulls, de MTV a Argentina

Después de cuatro décadas de escuchar esas canciones en discos, radios y videoclips, el reloj marcó las 21:30 hs y había llegado el momento de vivirlas en directo en Buenos Aires.

Mike Score, fundador de la banda y único integrante original de la formación, apareció en escena con unos anteojos tornasolados que reflejaban las luces y el sintetizador que tenía delante. Sonaron las primeras notas de «Modern Love Is Automatic», del álbum debut homónimo de 1982, que marcaron el comienzo de un encuentro que estuvo pendiente por más de cuarenta años.

La lista avanzó con «Hearts of Fire», «Rainfall» y «Nightmares», hasta que los primeros acordes de «The More You Live», «The More You Love», del álbum The Story of a Young Heart, de 1984, hicieron que los celulares se alzaran por toda la sala. Había canciones que no necesitaban presentación: bastaban unos acordes para que el público reconociera cada melodía.

Entre los clásicos también hubo espacio para presentar su material más reciente, como «Him» y «Some Dreams», del álbum Some Dreams, publicado en 2024. El recorrido no se limitó a recuperar el pasado, sino que mostró a una banda que sigue sumando música a su historia.

Más adelante sonaron «Man Made» y «Telecommunication». Pero uno de los grandes momentos de la noche llegó con «Space Age Love Song».

Mike Score, aquel ex peluquero que dejó atrás su oficio para perseguir su sueño musical, tomó el control de la escena e invitó al público a acompañar con sus voces los sonidos de la guitarra, la batería, el bajo y los sintetizadores. Mike sabía que ese es nuestro sello como público.

Desde el escenario, el guitarrista Gordon Deppe observaba sonriente a la audiencia, mientras Pando, con su bajo, arengaba a cada rincón de El Teatrito. Cuando la canción terminó, la gente siguió coreando el estribillo. La música se había detenido, pero nadie quería dejarla ir.

Después llegó el turno de «Wishing (If I Had a Photograph of You)». Mientras sonaba uno de los grandes clásicos de la banda, el carismático baterista Kevin Rankin se divertía intercambiando una de sus baquetas con un asistente ubicado al costado del escenario. Un momento espontáneo que sumó complicidad y distensión a una noche atravesada por la emoción y la nostalgia.

I Ran (So Far Away): el himno que hizo explotar El Teatrito

La noche se acercaba a su final, pero todavía faltaba uno de los momentos más esperados. Bastaron las primeras notas de «I Ran (So Far Away)» para que todo cobrara otra dimensión. La canción del videoclip de los espejos, con el inconfundible peinado de Mike Score y su camisa roja, esa que atraviesa décadas de radio y cultura pop, estaba sonando frente a nosotros.

Un himno de los 80 que sigue encontrando nuevas formas de llegar a otras generaciones: desde su aparición en escenas de películas como La La Land, hasta su presencia más reciente en la serie Carrie.

Y ahí sí, El Teatrito explotó. El público se entregó por completo, las voces se mezclaron con los sintetizadores y se armó un pogo al ritmo del synth-pop.

Parecía que todo había terminado. Pero todavía quedaba una última oportunidad para estirar el encuentro: el público pidió otra y la banda regresó al escenario para complacer con «Messages».

Un último tema, un último aplauso y un último saludo.

Afuera seguía siendo un viernes lluvioso en Buenos Aires. Adentro, durante un rato, habíamos vuelto a los 80. Y aunque las luces se apagaran y la sala empezara a vaciarse, quedaba la emoción de haber escuchado en vivo, por primera vez en Argentina, a una banda que convirtió sus canciones en parte de la memoria colectiva.

Agradecemos a Marcela Scorca press y promo de Icarus Music por la acreditación al show.

Parmil Fotografías

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LÖRIHEN 30 AÑOS DE UNA HISTORIA VIGENTE

Por Sergio Silva

Lörihen festejará 30 años de trayectoria en el Teatro Flores. Esto acontecerá el próximo 11 de octubre a partir de las 19 hs. y, además, tendrá el condimento especial de que grabarán un DVD en vivo. Para que la fiesta sea completa, Against y Cobre serán las bandas invitadas.

Un legado de 30 años

Tres décadas de trayectoria no son poca cosa, y Lörihen lo sabe. La banda argentina de heavy y power metal nació en Buenos Aires en 1996 por iniciativa del guitarrista Emiliano Obregón, dando sus primeros pasos dentro de una escena que con el tiempo se convertiría en parte fundamental de la historia del metal nacional.

Con el paso de los años, Lörihen fue construyendo una sólida carrera discográfica que comenzó con Utopía en 2000 y continuó con Antes de Tiempo (2001), Paradigma (2003), Bajo la Cruz (2007), Aún Sigo Latiendo (2015), Desconexión (2018) y La Magia del Caos (2023).

La banda también se destacó por sus presentaciones en vivo y por llevar su música a distintos puntos de Argentina y Latinoamérica, compartiendo escenarios con importantes nombres del heavy y power metal internacional, entre ellos Judas Priest, Whitesnake, Exodus, Stratovarius, Rhapsody, Helloween y HammerFall.

Información sobre las entradas

Las mismas se pueden obtener mediante el sistema Passline

https://www.passline.com/eventos/lorihen-30-anos-teatro-flores?srsltid=AU7gw4WhSA6Dl5kgrRf7CdkpPjjxOrU9aaL83i0_3Ud714h1Dz3kxKjo

CONSEQUENCE OF ENERGY «WE ARE ONE HABLA DE LA POSIBILIDAD DE TRANSFORMAR AQUELLO QUE VIVIMOS EN ALGO NUEVO» ENTREVISTA

Por Sergio Silva

Consequence Of Energy es una banda de rock alternativo y hard rock originaria de Chile. En este 2026 traen la novedad de su álbum debut, We Are One, y además buscan proyectarse alrededor del mundo. En los próximos días visitarán Argentina, por eso decidimos charlar con ellos sobre este proyecto en la siguiente entrevista.

Vivimos en un mundo en el que todo sucede de manera inmediata y, muchas veces, detenernos mínimamente a reflexionar sobre lo sucedido en el pasado nos lleva imaginariamente varios años atrás. A partir de esta premisa, ¿qué buscan transmitir y concientizar en la sociedad a través de este álbum debut?

Creo que una de las cosas que buscamos transmitir con We Are One es justamente la importancia de detenerse y observar lo que estamos viviendo.

Estamos constantemente recibiendo información, estímulos y opiniones, pero muchas veces no tenemos tiempo para preguntarnos qué estamos haciendo, qué consecuencias tienen nuestras acciones y cuál es nuestra relación con los demás y con el planeta.

El disco no pretende entregar respuestas ni decirle a la gente cómo debe vivir. Es más bien una invitación a hacerse preguntas.

El concepto de Consequence of Energy parte de una idea muy simple: todo lo que hacemos genera una consecuencia. Una acción, una emoción, una relación o incluso una canción pueden generar energía que continúa moviéndose.

We Are One habla de conexión, de nuestras contradicciones, de la luz y la oscuridad, y de la posibilidad de transformar aquello que vivimos en algo nuevo.

En cuanto a la propuesta sonora del álbum, ¿hay momentos en los que la potencia del metal alternativo cede espacio a pasajes más introspectivos? ¿Cómo trabajaron ese contraste durante el proceso de composición?

Sí, absolutamente. Para nosotros ese contraste es muy importante.

Tenemos una base muy fuerte de rock alternativo y hay momentos donde la música es muy intensa, con guitarras, batería y mucha energía, pero también hay espacios donde las canciones necesitan respirar.

Aparecen flautas, percusiones, ambientes, texturas y momentos mucho más íntimos. No queríamos que el disco fuera una experiencia lineal en términos de intensidad.

Durante la composición tratamos de respetar lo que cada canción necesitaba. Algunas pedían mucha fuerza y otras necesitaban espacio, silencio o atmósfera.

Creo que ahí también aparece una parte importante de nuestra identidad: no vemos la potencia y la introspección como elementos opuestos. Son dos dimensiones que pueden convivir dentro de una misma canción.

¿Qué evaluación hacen de haber trabajado en la producción del disco con una eminencia como Garth Richardson, quien además ha producido trabajos de bandas como Red Hot Chili Peppers, Rage Against the Machine y Melvins? ¿Qué experiencia les dejó trabajar junto a él?

Fue una experiencia enorme y también muy cercana.

Garth ya era amigo de Diego, nuestro guitarrista, por proyectos musicales anteriores. Ellos habían trabajado juntos antes, por lo que cuando comenzamos a desarrollar Consequence of Energy existía una relación y una confianza previa.

A partir de ahí surgió la posibilidad de mostrarle las canciones y finalmente trabajar juntos en We Are One.

Lo interesante es que, a pesar de toda su experiencia, Garth nunca intentó convertirnos en otra banda. Escuchó el proyecto, entendió nuestra búsqueda y nos ayudó a encontrar lo esencial de las canciones.

También trabajamos con Dean Maher, quien estuvo muy involucrado en la ingeniería y especialmente en el trabajo de guitarras, Dave Schiffman en la mezcla y Howie Weinberg en la masterización.

Uno de los principales aprendizajes que nos llevamos es que la producción tiene que estar al servicio de la canción y de la identidad del artista.

A veces puedes tener muchos elementos y mucha tecnología, pero si pierdes la emoción de la canción, pierdes lo más importante.

¿Cómo surgió la idea de incorporar a Marko Zaror, reconocido actor y especialista en artes marciales, en distintas colaboraciones relacionadas con el proyecto?

Marko es una persona muy cercana al proyecto y su participación surgió de manera bastante natural.

Nos interesaba trabajar con él porque existe una conexión muy fuerte entre su lenguaje corporal, las artes marciales y el concepto de energía que está presente en Consequence of Energy.

En Into the Void, por ejemplo, su participación permitió llevar la canción a un lenguaje mucho más físico y cinematográfico. El movimiento, la fuerza, la disciplina y la energía del cuerpo dialogan directamente con la música.

Para nosotros lo audiovisual no es un complemento de las canciones. Es parte del universo de la banda.

Nos interesa que la música pueda expresarse también a través del cuerpo, las imágenes, el cine y otras disciplinas artísticas.

Haber tocado en Lollapalooza Chile, ¿fue un punto de inflexión para la banda y, de alguna manera, contribuyó a que fueran convocados como teloneros de nada menos que Sepultura, una de las grandes leyendas del metal brasileño y mundial, para su próxima presentación del 6 de octubre en Argentina?

Lollapalooza fue una experiencia muy importante y nos permitió tocar frente a un público mucho más amplio, pero no lo vemos necesariamente como el punto que explica todo lo que ha ocurrido después.

La invitación para compartir escenario con Sepultura forma parte de un proceso más amplio de internacionalización de la banda y de las distintas conexiones que hemos ido generando alrededor del proyecto.

Para nosotros es un honor enorme compartir escenario con una banda con la trayectoria y la historia de Sepultura. Es una de esas situaciones que te permiten mirar todo el camino recorrido y también entender que recién estamos comenzando.

Más que pensar en un solo hito, estamos interesados en construir una trayectoria internacional y encontrar los espacios donde nuestra música pueda conectar realmente con el público.

Y obviamente Argentina es un mercado que nos interesa muchísimo. Queremos aprovechar esta visita para comenzar a construir una relación más profunda con el público, los músicos y la escena argentina.

¿Qué expectativas tienen para lo que resta de 2026 y el comienzo de 2027? ¿Qué proyectos, presentaciones o novedades pueden adelantarle al público?

El segundo semestre de 2026 está siendo muy intenso para nosotros.

Estamos llevando We Are One a distintos territorios y trabajando en nuestra expansión por Latinoamérica, especialmente Argentina y Brasil, además de comenzar a mirar hacia Europa.

La idea no es solamente hacer una serie de conciertos. Queremos construir un circuito alrededor de nuestra música y colaborar con otros artistas que tengan búsquedas similares.

También estamos trabajando en nuevas plataformas y espacios donde puedan convivir el rock alternativo, la música experimental, lo audiovisual y distintas expresiones culturales.

Y, por supuesto, estamos comenzando a pensar en nueva música. We Are One es nuestro primer álbum y sentimos que todavía tenemos muchísimo que explorar.

Así que 2027 debería ser un año de consolidación, nuevas canciones, nuevas colaboraciones y más escenarios.

Muchísimas gracias por su tiempo y por responder a mis inquietudes. Les envío un cordial saludo desde Argentina y les deseo muchos éxitos en todo lo que viene.

Muchas gracias a Sergio y a todo el equipo de Metal Press por el espacio y por escuchar We Are One con tanta atención.

También queremos enviar un saludo enorme a toda la gente que nos sigue desde Argentina. Estamos muy felices de poder compartir nuestra música con ustedes y especialmente de encontrarnos próximamente en un escenario tan importante.

Nos vemos pronto.

We Are One.

Aquí también les dejamos las otras presentaciones de Consequence of Energy en Argentina.

Agradecemos a Gaby Sisti y al señor Pablo Noguera por la gestión de la entrevista.

VIOLENT EXECUTION, 10 AÑOS DE GRITO AL SISTEMA

Por Sergio Silva

Los oriundos de la localidad de Campana festejarán los 10 años del álbum Grito al Sistema. Esto acontecerá el próximo 9 de octubre en Club V, Avenida Corrientes 5008, CABA, y las bandas invitadas serán Frantic y Zarkas.

Grito al Sistema trasciende en el tiempo

Hay álbumes que salen a la luz y cumplen con su cometido: gustarle al público y alcanzar la repercusión necesaria. Pero también existen aquellos trabajos que van mucho más allá, que logran trascender en el tiempo y cuyas canciones mantienen su vigencia incluso una década después de haber sido editadas.

Grito al Sistema pertenece a esta última categoría. Aquellas letras que hace diez años representaban un grito de resistencia ante el avasallamiento de los sistemas que gobiernan el mundo, hoy continúan vigentes más que nunca.

“Malditos Medios” e “Imperio” son claras evidencias de una mirada crítica hacia el poder al cual estamos sometidos. Por su parte, “Cadenas” refleja la vida del trabajador, víctima de un sistema opresor que condiciona su día a día.

Pero Grito al Sistema no se limita únicamente a la crítica y la denuncia. También encuentra espacio para el espíritu festivo, el pogo y el mosh, como queda demostrado en “CxDxD” y “Sensación Mosh”.

A diez años de su lanzamiento, Grito al Sistema demuestra que algunas canciones pueden atravesar el paso del tiempo y continuar transmitiendo el mismo mensaje con el que fueron concebidas: una voz de resistencia que todavía tiene mucho para decir.

Información sobre las entradas

Las mismas se pueden obtener mediante el sistema Alpogo.com

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O por transferencia al alias violent.execution

BENEDICTION NOS TRAERÁ UNA MASACRE SONORA

Por Sergio Silva

La histórica banda de death metal se presentará en el marco del «Ravage of Empires Latam Tour 2026″. Esto acontecerá el próximo 30 de octubre en Uniclub, Guardia Vieja 3360, CABA, y la banda invitada será Dislepsia.

Acerca de Benediction

Benediction es una banda británica de death metal formada en 1989 en Birmingham, Inglaterra. Considerada una de las agrupaciones fundamentales de la escena extrema británica, se destacó por su sonido crudo y contundente, sus riffs demoledores y sus voces guturales.

En 1990 lanzó su álbum debut, Subconscious Terror, que marcó el inicio de una trayectoria vinculada al sello Nuclear Blast. Posteriormente, publicó discos fundamentales para el género, como The Grand Leveller (1991), Transcend the Rubicon (1993), The Dreams You Dread (1995) y Grind Bastard (1998).

A lo largo de su carrera, Benediction atravesó diferentes cambios de formación, con músicos como Barney Greenway, quien posteriormente se incorporó a Napalm Death, y los vocalistas Dave Ingram y Dave Hunt. En 2020 lanzó Scriptures, álbum que reafirmó su vigencia dentro del death metal tradicional.

El 4 de abril de 2025 publicó Ravage of Empires, su noveno álbum de estudio, con once canciones que mantienen la esencia agresiva y directa de sus primeros trabajos. Con más de tres décadas de historia, Benediction continúa siendo un nombre emblemático del death metal europeo.

Discografía esencial: Subconscious Terror (1990), Transcend the Rubicon (1993), Grind Bastard (1998), Scriptures (2020) y Ravage of Empires (2025).

Actualidad

La legendaria banda británica de death metal Benediction continúa activa en 2026 con una gira internacional para presentar su más reciente álbum, Ravage of Empires, publicado el 4 de abril de 2025 por Nuclear Blast Records.

Una de las principales novedades de este año es su gira latinoamericana. La agrupación tiene previsto presentarse en Buenos Aires el 30 de octubre de 2026 en Uniclub, con participación de Kam Lee, histórico vocalista de Massacre, según la información publicada sobre la fecha argentina.

Sin embargo, la gira llega con un cambio importante: Dave Ingram dejó temporalmente las presentaciones por motivos de salud, y Kam Lee participa como vocalista en esta etapa. La noticia fue informada en relación con la fecha chilena del 28 de octubre.

AUGURIA, CÁLIDAS BRISAS SINFÓNICAS

Por Sergio Silva Fotografías gentileza de Maru Debiassi

El 18 de septiembre fue el debut oficial de la banda de metal sinfónico Auguria. En estos tiempos en que los estilos que predominaron en los inicios del 2000, Auguria propone reavivar la llama del Metal Sinfónico que en tiempos anteriores ha sido pilar fundamental en el mundo de la música. Esta presentación aconteció en El Conventillo del Abasto, Anchorena 579, CABA, y las bandas invitadas fueron Baalbek y Echoes of the Lowlands.

Baalbek

La jornada la abrió Baalbek, una banda de metal progresivo que contó con un gran despliegue sonoro sobre el escenario, con 2 teclados que se complementaban a la perfección, y también hicieron un set list amplio de aproximadamente una hora, ya que el público pidió que hagan un par de temas más. En síntesis, fue un lapso de sonidos experimentales. En total hicieron 10 temas: «Baco», «Arcilla y Sangre», «Toro del Cielo», entre otros.

Echoes of the Lowlands

En segundo lugar, llegó Echoes of the Lowlands con una vocalista que, en lo personal, ya he visto en sus presentaciones en varios shows; me refiero a Giuliana Lowlands, que se presentó con un outfit relacionado con una emperatriz. Tuvo una presentación imponente; en su show nos envolvió como si estuviéramos en un cuento fantástico. Los elementos que utilizó, como por ejemplo una espada, dieron un condimento especial al show.

Auguria

Y por último llegó el debut de Auguria, una banda que se formó con tremendos músicos de la escena y ni hablar de la voz dulce y encantadora de Canela Sol, una artista de voz soprano. ¿Puede dar un show de metal sinfónico? Obvio que sí. Canela en todo momento se movió con mucha soltura en el escenario, bien a tiempo. Si hubo algún desfasaje en el tempo, en lo personal ni se notó. En este debut hubo presentación de sus 3 singles, «Shattered Dreams», «Lost» y «Run Away», además de temas nuevos.

También hubo momentos de sorpresas, como lo fue la invitación al escenario de Giuliana Lowlands, quien junto a Canela y la ejecución con guitarra acústica de Rodrigo San Martín nos hicieron vivir un momento muy emotivo, donde las voces de ambas intérpretes fueron protagonistas.

No solo Auguria tocó temas propios, también hubo tiempo para 3 covers: ellos fueron «Faster» y «Somewhere», de Within Temptation, y «Stargazer», de Nightwish. Fue una apuesta muy jugada, pero lograda al fin con el sello propio de Auguria.

Y el cierre de la noche quedó de la mano del single «Lost», quien fuese la carta de presentación de la banda hace meses atrás.